―― Depuis que vous avez commencé à travailler dans les années 1970, comment l'énergie créative de New York a-t-elle évolué ?

New York, c'est chez moi. C'est l'endroit qui m'a façonné tant sur le plan personnel qu'artistique. L'énergie de la ville en elle-même n'a pas beaucoup changé, mais le paysage, la technologie et la communauté ont quant à eux considérablement évolué. Aujourd'hui, les gens viennent des quatre coins du monde, ce qui me fait apprécier encore davantage les liens que j'ai tissés avec les New-Yorkais de longue date. Mais au fond, ce qui alimente ma créativité, c'est cette même énergie new-yorkaise qui n'a jamais vraiment changé.

―― Comment décririez-vous cette énergie new-yorkaise ?

Dès que l'on ouvre la porte et que l'on met le nez dehors, on a l'impression que la vie reprend immédiatement son cours. Il y a du monde partout, tout le monde est en mouvement et il se passe toujours quelque chose. Et où que l'on pose le regard dans cette ville, on peut ressentir son histoire. Il n'y a pas beaucoup d'endroits où l'on retrouve ce genre de rythme et d'énergie. Tokyo, Hong Kong et Paris dégagent une ambiance similaire, mais Los Angeles et Miami sont beaucoup plus décontractées. À New York, personne ne peut se permettre de perdre du temps. La vie ici est difficile et coûteuse, ce qui donne envie que chaque jour ait un sens. Quand je rentre chez moi le soir, j’ai envie d’avoir le sentiment d’avoir acquis quelque chose qui justifie les efforts de la journée.

―― En quoi New York se distingue-t-elle des autres villes ?

Pour moi, c'est l'histoire. Quand je repense à ma vie et à ma carrière par étapes, le New York des années 70, celui des années 80 et celui d’aujourd’hui me semblent tous complètement différents. La ville s'est modernisée. Certaines choses ont été perdues, mais d'autres ont été gagnées. C'est pourquoi il faut sans cesse évoluer au rythme de chaque nouvelle génération. Mais ce qui fait mon identité profonde, ce sont toujours les expériences que j'ai vécues à New York quand j'étais jeune.

―― Parlez-nous de ce studio situé à Brooklyn.

Cela fait maintenant environ quinze ans que je vis à Williamsburg. Au cours de cette période, tant la marque que mon travail personnel ont pris des directions très diverses. Ma carrière n'a pas vraiment suivi un parcours linéaire. On dirait plutôt un chemin sinueux. Il y a eu des périodes où je me consacrais principalement au graphisme, et d'autres où j'ai travaillé comme peintre, graffeur ou directeur artistique. J'ai également toujours occupé le poste de directeur de marque chez Haze. Quand j'étais plus jeune, je me concentrais sur un domaine à la fois, et dès que j'étais satisfait de mes progrès dans ce domaine, je passais au suivant. Ces derniers temps, je me suis remis à la peinture, et j'ai l'impression que, depuis dix à quinze ans, les différentes facettes de mon travail ont commencé à trouver un équilibre. Le studio en est également le reflet. C'est presque comme un foyer où tout se retrouve. D'un côté, il s'agit d'un espace à vocation plus commerciale, un peu comme un showroom, tandis que de l'autre, c'est un espace personnel où je travaille jusque tard dans la nuit, à la découverte de mes propres pensées et émotions.

―― Y a-t-il des lieux ou des œuvres qui revêtent une importance particulière à vos yeux ?

Honnêtement, je ressens le même attachement pour ces deux lieux. On me demande souvent quelle est mon œuvre préférée, mais c'est comme si on devait choisir entre ses enfants. On ne peut vraiment pas. Bien sûr, il y a des projets qui, à l'époque, semblaient être des moments marquants, comme la pochette des Beastie Boys, le logo d'EPMD ou les tenues de l'équipe américaine de ski. Mais d'un point de vue créatif, j'aime à penser que le prochain projet sera le meilleur. C'est ce sentiment d'excitation face à l'inconnu qui me nourrit d'inspiration.

―― Pour produire un travail de qualité, à quoi faites-vous attention en ce qui concerne l'environnement que vous créez autour de vous ?

Pour moi, le succès n'est pas une question d'argent ou de titres. La question, c'est de savoir si j'ai le contrôle sur mon orientation créative. C'est le sentiment d'être maître de ma vie et de mon travail. En vieillissant, j'en suis arrivé à un stade où je ne peux plus choisir que les projets qui me passionnent. Je veux me sentir à 100 % à l'aise avec tout, qu'il s'agisse des relations entre les personnes concernées ou du résultat final. C'est pour cette raison que je fais désormais beaucoup plus attention aux personnes avec lesquelles je travaille et au type de projets que j'accepte. Je suis également reconnaissant du soutien que j'ai reçu de la part de la communauté, et je souhaite à mon tour soutenir ceux qui travaillent dur . Plus que le fait que quelqu'un gagne ou perde, c'est l'effort que les gens consacrent à leur travail que je respecte.

―― Avec tout ce travail quotidien, à quoi faites-vous attention ?

Je pars du principe que tout a son importance. Les clients ne remarquent peut-être pas les petits détails, mais nous, oui. Notre objectif est de toujours donner le meilleur de nous-mêmes. Bien sûr, il y a des erreurs, et rien n'est parfait, mais l'important est de continuer à viser la meilleure qualité possible. Il y a des jours où l'on gagne et d'autres où l'on perd, mais si l'on sait que l'on a tout donné, on peut accepter le résultat.

―― As-tu des habitudes avant de commencer à travailler, ou des préférences particulières en matière d'outils ?

Dans ma vie privée, j'accorde beaucoup d'importance aux moments passés avec ma famille. Je me suis marié à cinquante ans, et aujourd'hui, ce que j'apprécie le plus, c'est de passer du temps avec ma femme et mes petits-enfants. En ce qui concerne les outils, quand j'étais plus jeune, la peinture en bombe et les marqueurs me semblaient tout à fait naturels. Mais quand je me suis remis à la peinture, j'ai pris soin de ne pas les utiliser. J'ai plutôt opté pour des matériaux plus traditionnels, comme les pinceaux et le fusain. J'ai également cessé d'utiliser autant de couleurs et je me suis ancré dans un univers de noir, de blanc et de gris. C'est peut-être le reflet de la sensibilité que l'on acquiert en grandissant dans le gris un peu rude de New York. En design, il y a des bonnes et des mauvaises réponses, mais pas dans les beaux-arts. Parfois, les erreurs s'avèrent même être la meilleure partie. C'est pourquoi, dans cette optique, je choisis mes outils en fonction de l'objectif visé.

―― Que représente pour vous votre collaboration avec G-SHOCK ?

C'est l'une des relations professionnelles de confiance les plus longues que j'aie eues ; elle remonte à 1998. Nous comprenons le style de l'autre, ce qui facilite grandement notre collaboration. Lorsque je crée des logos, j'essaie de trouver un équilibre entre l'identité bien établie de G-SHOCK et mon propre style. Le caractère de la G-SHOCK passe toujours avant tout, et c'est dans ce cadre que j'essaie d'y apporter ma touche personnelle.

―― Quels conseils donneriez-vous aux jeunes créatifs ?

Avant tout, crois en toi. Trouvez ce qui vous passionne, et efforcez-vous de rapprocher votre vie et votre travail de cette passion. Pour réaliser son rêve, il faut du temps et de la pratique. Au final, la seule chose que l'on puisse faire, c'est de continuer à travailler. Faites-le, continuez à le faire, et vous ne cesserez de vous améliorer. Le parcours et les rêves de chacun sont différents, mais je pense que le plus important, c'est de poursuivre ses propres rêves. Et ne comptez pas trop sur la technologie. Les ordinateurs, les pinceaux, les stylos… ce ne sont que des outils. Ce ne sont pas les outils qui font la magie. Cela dépend de la personne qui les utilise.

Profil

ERIC HAZE

Figure emblématique de la scène du graffiti des années 1980, Eric Haze a exercé ses talents dans les domaines du graphisme, de la mode, de la création de logos et de la direction artistique, tout en entretenant des liens étroits avec la culture hip-hop. Il est le fondateur de la marque Haze et est connu pour ses collaborations et ses créations avec G-SHOCK, les Beastie Boys, parmi tant d'autres.

Instagram. @erichazenyc